Clube da Luta

 

De Evandro Oliveira

Sabe quando tudo o que você precisa é de uma válvula de escape? Aquele final de semana, aquela balada, aquela bebedeira, aquele cineminha, aquele encontro romântico, aquela viagem...  E quando você perde essa válvula? Esse é o ponto inicial de Fight Club (Clube da Luta).

A correria é tanta pra lá, a insegurança é tanta pra cá, e sem perceber a tristeza já encostou. E você se perdeu. Perdeu a válvula. Chega em casa e tudo o que você quer é dormir, porque no dia seguinte terá a mesma rotina. Dorme mas não descansa. Por não descansar não consegue mais dormir. Por não dormir não fica também totalmente acordado. E se perdeu. Isso lhe parece familiar? E é! Isso é uma aresta do retrato da nossa sociedade atual.

O narrador sem nome de Fight Club é um desses caras. Trabalha num emprego que não gosta, tem um chefe que não gosta, tem uma vida que não gosta. Sua única tentativa de válvula de escape se tornara comprar móveis por telefone, e olhe lá!

Mas uma mudança drástica ocorre, e essa mudança é o segundo ponto do filme. Após conhecer um “novo amigo” (assista ao filme e descubra o porquê das aspas), esse narrador anônimo se modifica. Ele cria uma válvula de escape que a priori parece absurda mas que passa a atrair diversas pessoas “perdidas” como ele. Cria-se então o Clube da Luta: um clube secreto com algumas regras onde homens simplesmente lutam um com o outro. E não é pelo simples gosto pelas porradas!

Antes de assistir o filme eu li em um excelente texto que ele tratava de autoconhecimento e limites, e estou tentando ao máximo dizer algo diferente do que lá foi dito. Mas a verdade é que esse texto estava totalmente correto. Será que sabemos até onde podemos ir? Aliás, sabemos onde estamos? Será que não nos tornamos como o narrador anônimo, um simples peão de um jogo de xadrez sem sal?

O ser humano passa a vida toda tentando se conhecer. Alguns vão mais longe e desenvolvem até teorias para tal; às vezes até a provam cientificamente. Outros aceitam ser liderados por alguém que lhes diga o que querem ouvir, como fizeram os “soldados” Tyler Durden, o amigo do narrador. Mas na realidade a grande maioria nunca vai realmente se conhecer, tampouco conhecer seus limites. Felizes são aqueles que descobrem o que consegue superar, porque na verdade já superou. Outros, infelizmente, irão se perder. Felizes são aqueles que mantêm suas válvulas de escape, as modificam algumas vezes, é verdade, mas elas sempre continuam. Outros, infelizmente, as perderão.

 Fight Club é um grandioso filme de introspecção. Bem feito, bem dirigido, bem pensado. Não vou me prender aos aspectos técnicos, ainda que os mesmos tenham sido muito bem executados, porque na realidade é seu efeito que deve ir muito além das 2h10min de filme!

Nota do Evandro: 9.5 

Tão Forte e Tão Perto

De Evandro Oliveira

Um detalhe muda tudo! Não é novidade que “11 de Setembro” rendeu, entre várias outras coisas, dezenas de filmes à Hollywood. A novidade é que 10 anos depois do ocorrido um filme usa brilhantemente o fato como pano de fundo pra uma história completamente emocionante.

Oskar Schell (muito bem interpretado por Thomas Horn, um garoto de 14 anos estreante no cinema) é um garoto com Síndrome de Asperger, que é uma espécie de variação do autismo, o que o torna mais inteligente do que sua idade para alguns assuntos, e muito receoso à outros. O garoto é extremamente ligado à seu pai, Thomas Schell (Tom Hanks). Thomas sempre incitara seu filho a resolver enigmas, utilizando da grande inteligência do garoto e de seu grande gosto por resolvê-los. Entretanto, no acidente de 11 de Setembro ele morre. Oskar, apesar das aparências, não consegue superar a morte de seu pai e, um ano depois, encontra uma chave em um vaso que estava no closet de Thomas.

Com essa chave e com as pistas que encontra, o garoto usará de toda sua grande e metódica inteligência para descobrir a fechadura daquela chave, na esperança de resolver mais um enigma que o deixaria ainda mais próximo do pai.
 

Esta seria a sinopse de Extremely Loud and Incredibly Close (Tão Forte e Tão Perto). Mas sinopses não querem dizer nada. O ser humano é, inexplicavelmente, capaz de emocionar e ser emocionado. Talvez esse seja um dos motivos de ser o único ser capaz de chorar. Com uma história que exala emoção nos pontos certos e cercado por uma história que coloca o espectador dentro do personagem principal, Extremely Loud and Incredibly Close é um filme fascinante.

Na crítica feita por meu companheiro André Malta em A Árvore da Vida (link) ele inicia seu texto com as seguintes questões: “Alguém já conseguiu definir com clareza algo abstrato? Como se desenha o amor? Como compor algo tão subjetivo de forma singular, concreta?”. Talvez nada disso seja explicável como busca Oskar, incessantemente, explicações para tudo e sua mãe (Sandra Bullock) tenta demonstrá-lo que algumas simplesmente não se explicam. E é por isso que a arte, em suas várias formas, é fascinante. Embora não explique, ela de alguma maneira nos transporta para aquele "algo inexplicável", nos toma e nos faz sentir tudo aquilo que ela quer passar, que ela quer nos fazer sentir. Inexplicável!

Dirigido por Stephen Daldry, com produção de Scott Rudin e roteiro de Eric Roth, Extremely Loud and Incredibly Close é feito nos detalhes para transportar o espectador para dentro dele. Desde tomadas bem feitas até a narração propositalmente explicativa, com variações de velocidade e tom da voz. Não sei explicar, mas talvez esse seja um daqueles filmes “ame-o ou odeie-o”. Somente talvez.

Merecidos destaques para o papel de Max von Sydow , um personagem mudo que não se sabe se é ou não o avô de Oskar. Grandiosas interpretações dele e, mais uma vez, do garoto Thomas Horn. E claro, bela sacada da história deixar essa aresta aberta, no ar.

Nota do Evandro: 9.0 

 

Meia-noite em Paris

De Evandro Oliveira

Woody Allen nos mostra, mais uma vez, uma outra face da paixão. E com isso nos transporta para sentir, junto com ele, uma dessas: a arte. Este é Midnight in Paris (Meia-noite em Paris).

Gil Pender (Owen Wilson) é um frustrado roteirista de Hollywood e que deseja escrever um livro, pautado no quê de saudosismo. Grande admirador de Paris, cidade onde ele pode sentir muito mais a presença de seus grandes ídolos dos anos 20, Gil está novamente na cidade à passeio juntamente com sua noiva Inez (Rachel McAdams) e seus sogros. Entretanto, o que antes era apenas um sonho de Gil, torna-se realidade. Aos menos para ele. Gil passa a fazer uma viagem no tempo todas as noites, indo para os anos 20 e cada dia encontrando mais e mais ídolos.

Logo no início de sua estadia em Paris, eles se encontram com um amigo de Inez, Paul (Michael Sheen) e sua noiva. Paul é uma belíssima ilustração do verdadeiro pseudointelectual, ao ponto de todos acreditarem na sua intelectualidade. Diferentemente de Gil, Paul trata as várias formas de arte como um objeto, que está pra somente ser visto e admirado. Gil não, ele quer senti-las, uma por uma, conectar-se com elas, viver aquilo. E é por isso que se sente um peixe fora d’água, ou fora de sua época.

 

Como um sonhador apaixonado Woody Allen nos transporta para viver essa arte, como deseja seu personagem, não como esses pseudointelectuais que as lêem em livros ou enciclopédias mas não sabem realmente o que significa aquilo tudo. Gil encontra-se como figuras como Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway, Gertrude Stein, Salvador Dali, Cole Porter, Pablo Picasso, entre outros e acaba se vendo encantado pela belíssima Adriana, uma linda estudante de moda que teve casos com Modigliani e Picasso, belamente interpretada por Marion Cotillard.

Um filme que além de nos absorver pra essa “aventura” durante sua rápida 1h25 min, nos leva a refletir como realmente encaramos as coisas à nossa frente e como lidamos com grandes feitos do passado. Sabemos mesmo senti-los? Sabemos utilizá-los a nosso favor? Digo, aproveitar o passado pra melhorar o presente, sem que isso nos torne alguém preso à ele. (?)

A direção do filme, bem como sua fotografia, é belíssima. Não era de se esperar menos tratando-se de Paris, mas dessa vez há uma bela abordagem para a Paris mais urbana no presente, sem perder sua beleza, contrastando com a antiga Paris, dos anos 20. Um destaque negativo fica por conta do personagem principal interpretado por Owen Wilson, que se fosse feito por um ator melhor nesse gênero de filme certamente acrescentaria muito.

Nota do Evandro: 8.0

A Invenção de Hugo Cabret

De Evandro Oliveira

Baseado no livro de Brian Selznick, Hugo (A Invenção de Hugo Cabret) mostra, com devida sutileza, como o cinema foi/é encantador e apaixonante desde sua criação. Dirigido por Martin Scorsese – diretor de “Taxi Driver”, “Gangues de Nova Iorque”, “O Aviador”, “Ilha do Medo”, entre outros – Hugo nos leva a uma viagem no tempo, misturando tecnologias.

O filme conta a história de um garoto que aprendera com seu pai a consertar coisas e tinham como grande desafio consertar um robô que seu pai encontrara. O pai morre em um incêndio deixando o garoto órfão, que é levado por seu tio alcoólatra para morar na estação ferroviária de Paris, mas que logo o abandona lá. Sobrevivendo de pequenos furtos e no anonimato de consertar os relógios da estação, o garoto mantém vivo o sonho de arrumar o robô e isso o levará a descobertas que vão além da máquina, descoberta de uma parte da vida que um ranzinza senhor tenta esquecer.

O desenvolver do filme é suave, mas não lento. Narrado pelas aventuras das duas crianças (Asa Butterfield e Chloe Moretz), Hugo nos remete a uma prazerosa visão do passado e a uma boa história por trás, sem perder o tom aventurístico inicial, com toques filosóficos e metalinguísticos. O saudosismo de Martin Scorsese faz-se presente no desenrolar, acrescentado com uma bela homenagem ao cineasta George Meliès, um dos precursores do cinema.

Contando com uma bela direção de arte e mostrando um mix de tecnologia, ao usar o 3D pra mostrar os primórdios do cinema, Hugo é um bom filme: uma história interessante, um bom diretor, divertido, envolvente. Traços de um bom filme, não algo extraordinário. Não que todos os filmes devam ser “extraordinários”; Hugo cumpre muito bem o que se propôs a fazer.

 

Curiosamente os dois filmes considerados favoritos ao Oscar – esse e O Artista – são filmes que remetem ao passado do cinema, tratando-o como uma arte desde seu princípio, o que poderia soar como uma idealização, não fosse o bom trabalho feito em ambos.

Nota do Evandro: 8.0 

A Árvore da Vida

De André Malta

Alguém já conseguiu definir com clareza algo abstrato? Como se desenha o amor? Como compor algo tão subjetivo de forma singular, concreta? Será isto impossível? Talvez sim. Subjetividade não impõe limites. Ela é livre e dá a liberdade de quem quiser defini-la. E nessa liberdade Terrence Malick transcende a lógica, explora a criatividade e consegue filmar o âmago da alma humana em The Tree of Life (A Árvore da Vida).

Não existem palavras para se definir um filme tão belo. Esqueça TODOS os outros filmes que você já assistiu. Nada se compara a beleza de The Tree of Life. Um filme que explora a alma, a mente, o espírito e o sentimento humano de uma forma inovadora. São cenas e mais cenas de pura filosofia que nos exige apenas reflexão. Não existe filme. Não existe história. É uma droga lícita e não nociva aos nossos olhos. Nos faz viajar e contemplar a complexidade do sentimento humano.

Antes que filosofe mais e acabe expulsando o leitor mais leigo desta resenha, preciso  dar-lhes algumas informações adicionais para que assim como eu, contemple um pouco mais deste grande filme. The Tree of Life é dirigido e escrito por Terrence Malick, candidato ao Oscar de melhor filme, melhor diretor e fotografia sendo dono de um surrealismo impactante.  Sua sinopse é complexa, como o filme, mas basta dizer o mínimo possível porque cabe a quem assiste desfrutar desta obra prima e retirar dela um proveitoso entendimento. Mas vamos a ela.

The Tree of Life submerge o espectador ao início de tudo o que existe. Contempla o ciclo da vida através de uma família americana da década de 50. A dor desta família por ter perdido um ente querido, neste caso um filho amado por todos. Desta afirmação você viaja, transcende, se deixa levar pelo abstrato. Flui com os sentimentos junto do personagem numa quase inevitável empatia que te seduz. 

Voltamos ao  passado na gênese terrestre, como a Terra se forma. Passamos pelo período jurássico e pulamos a década de 50 para presenciarmos o nascimento de um bebê e ali ficarmos, acompanhando sua trajetória. Viajamos e confabulamos. Sentimentos e pensamentos. O filme é a gravação do que existe dentro de nós e não pode ser explicado. É a história de um sentimento amargurado e de como uma família lida com ele seja através de lembranças ou de prospecções futuras, da imaginação.

Antes de analisar os pontos técnicos do filme eu vou logo avisando: se está a procura de um roteiro mais tradicional ou de uma história cheia de reviravoltas, com um final surpreendente, aventuras, comédia, romances, ação... PARE!. Não assista The Tree of Life. Nem perca seu tempo. Este filme merece ser degustado com estômago vazio. Nada de expectativas. É um filme para introspecção que com certeza figurará entre aqueles 100 filmes a se assistir antes de morrer (sendo muito modesto).

Mas vamos lá, The Tree of Life apresenta uma fotografia inacreditável. Conselho: tentem assistir o filme em qualidade HD, Blu-ray. Com uma fotografia fantástica e uma exímia edição, Terrence Malick tem genialidade suficiente para nos brindar com uma ótima direção. As ótimas atuações ficam por conta de Brad Pitt na interpretação do Sr. O'Brien, Jessica Chastain é a compreensiva e permissiva Sra. O'Brien. Os intérpretes dos filhos são Hunter McCracker (Jack), Laramie Eppler (R.L.) e Tye Sheridan (Steve) .Sean Pean interpreta o filho Jack quando adulto e a história meio que segue nas lembranças dele. Todos atuam muito bem.

A cenografia e figurino convencem. Mas e o roteiro? Seria esse o ponto negativo do filme? Com certeza não. Tudo bem que aqui não se encontrará recursos já batidos em vários filmes. A história não é linear. Mas eis que escapamos de um clichê. O Esqueleto para base de um roteiro é mudado e vislumbramos algo bem mais estilizado. Temos uma história? Sim temos! Mas o foco não é esse. E jamais me caberia decidir qual é. É algo intuitivo, pessoal e sentimental como se entender o sentido da vida.  E isso vai de cada um. Surpreenda-se por si mesmo e jamais esquecerá The Tree of Life.

Nota do André: 9.5

Os Descendentes

De André Malta 
 

Assistindo ao filme The Descendants (Os Descendentes) dirigido por Alexander Payne, pode-se ver as conseqüências de uma peça fora da máquina e a falta que ela faz. Payne coloca aqui, elementos comuns aos seus filmes como: relacionamento, adultério e o humor negro em determinados pedaços da trama. E é com um roteiro simples que Payne insere The Descendants na lista dos indicados ao Oscar de melhor filme.

Baseado no livro de Kaui Hart Hemmings, The Descendants é estrelado por George Clooney que vive o personagem Matt King, um pai atarefado com os negócios de sua família que vê sua vida mudar após o acidente de sua esposa, Elizabeth (Patricia Hastie), que está em um estado grave entre a vida e a morte. Matt fica então responsável por cuidar de suas duas filhas, a rebelde Alexandra (Shailene Woodley) e a pequena e levada Scottie (Amara Miller). 

A convivência agora mais freqüente entre pai e filhas não será nada fácil ainda mais quando Matt ficar sabendo que sua mulher teve um caso com um corretor de imóveis antes do acidente. Pressionado por todos os lados caberá a Matt superar seus problemas e dar conta dos negócios de sua família, as conseqüências da infidelidade e o estado de saúde de sua esposa e o convívio com as filhas. 

The descendants é um drama simples. Ele não te leva aos prantos, mas te prende ao filme e te convence a acompanhar a vida de um pai cheio de responsabilidades.Ponto positivo para as atuações. George Clooney chega ser realmente um misto de sofrimento e comédia na apresentação de seu personagem. O Trio adolescente, as filhas e o "genro" de Matt, também vão muito bem. A atriz Patricia Hastie, convence como a acidentada Elizabeth.

Nas belas imagens do cenário Havaiano e com as belas atuações de Clooney & cia, você é apresentado a um bom filme. Talvez não seja o melhor dos filmes indicados, admito que faltou algo para torná-lo digno de ser detentor da estatueta. Mas nem por isso The Descendants é fraco. Muito pelo contrário é um filme bonito, com enredo simples, mas aprendizado forte que nos mostra como perder a peça chave de nossa maquinaria e ainda assim manufaturar nosso futuro se recomeçarmos agora. 

Nota do André: 7.0

O Homem que Mudou o Jogo

De André Malta

É difícil assistir a um filme com a temática esportiva e não imaginar um enredo clichê.  Digo isso apenas para afirmar que o filme Money Ball (O Homem que mudou o jogo) apresenta uma dualidade poucas vezes existente no que se diz respeito aos clichês de filmes esportivos. E isso engrandece sua qualidade.

Mas antes de qualquer análise vamos a sinopse. Baseado em fatos reais, Money Ball conta a história de Billy Beane (Brad Pitt), o gerente geral do time de baseball do Oakland Athletics, que após mais uma derrota e a saída de seus principais jogadores tenta de alguma forma montar um bom time para temporada que se encaixe dentro de seu baixo orçamento.

A solução aparece quando ele conhece Peter Brand (Jonah Hill), um jovem economista que possui idéias inovadoras para avaliar jogadores. Utilizando fórmulas matemáticas, Peter consegue selecionar jogadores de baixo custo no mercado de baseball que consigam render tão bem, ou mais, do que estrelas do esporte. A partir daí o filme se constrói na tentativa de Billy e Peter em resolver tanto os problemas financeiros, quanto a campanha do Oakland Athletics na competição.

Sendo um dos filmes indicados ao Oscar este ano, Money Ball conta com a direção de Bennett Miller e é estrelado por Brad Pitt, Jonah Hill e Philip Seymour Hoffman. O seu trunfo está em colocar os clichês já batidos, em outros filmes de temática esportiva, em segundo plano. Nos mostrando um outro ponto de análise.

Aqui o que veremos é o fato de que por mais que achemos que já conhecemos de tudo sobre alguma coisa, a vida sempre arranja um jeito de nos provar o contrário. Em determinado ponto do filme, uma metáfora nos embute uma lição de moral: às vezes estamos tão acostumados com determinada situação que nem percebemos quando de fato a atravessamos, transcendemos o que queríamos e acertamos em algo muito maior, mesmo que não tenhamos enxergado no início.

Nos aspectos técnicos Money Ball se sai bem. O roteiro é bom, tendo em vista que por complicações internas foi reeditado três vezes, por três pessoas diferentes. No aspecto visual não fica devendo nada a outros filmes. A edição das cenas nos jogos talvez careça de mais emoção. Nada que desvie o olhar do enredo que persuade o espectador do início ao fim.

As atuações são boas, Brad Pitt e Jonah Hill completam muito bem este quesito, mas nada fantástico. Destaque para atriz Kerris Dorsey que interpreta Casey Beane, a filha de Billy, e que em poucos minutos de atuação convence não só como atriz, mas também como cantora em uma versão da música The Show da cantora Lenka que fica ecoando na mente mesmo alguns minutos após o filme.
    

Dito isto, pode-se afirmar que Money Ball é sem dúvida alguma um bom filme, indicado para se desfrutar de uma história real que poderia ser descrita com algumas “lições de moral” e apresentada como um bom entretenimento. Se faz um filme revelador para os tradicionalistas, um verdadeiro soco no estômago daqueles que se apegam as velhas idéias em detrimento das novas. É sobre como vencer sem necessariamente conquistar títulos e fazer história quando tudo vai contra ao que acredita.

Nota do André: 8.0 

O Artista

De André Malta

Admito que assisti ao filme The Artist (O Artista),  um dos indicados ao Oscar de melhor filme este ano, com um pouco de preconceito. Isso porque fiquei sabendo que era um filme mudo e em preto e branco. Daí pensei:  Será que ainda há entretenimento em  filmes assim ou deveriam ser uma mera opção para cinéfilos saudosistas e alunos do curso de cinema?

As perguntas vieram à cabeça, mas logo foram dizimadas pós dez minutos de filme. A partir daí o espectador é convidado a uma história diferente daquelas dos dias atuais, ela nos convida a voltar ao passado e como um espectador do século 20 embarcamos na história de um homem no auge de sua carreira de artista.

George Valentin é um ator de cinema mudo que faz um enorme sucesso com seus filmes ao lado do seu inseparável cãozinho. Até o dia em que conhece Peppy Miller, uma fã que acaba dando a sorte de conhecê-lo pessoalmente surgindo dessa oportunidade a vontade de se lançar na carreira de atriz. E é em um filme de George que ela tem sua primeira chance, devido a ajuda do próprio ídolo. No entanto o destino o preparava uma surpresa.

A vida de George muda por completo quando seu chefe tem a idéia de migrar do cinema mudo para o falado. George acaba subestimando a idéia, não vendo naquilo nenhum futuro. No entanto pra sua surpresa, tanto teve futuro como acaba trazendo para si o seu declínio. Não é bom falar mais do filme. No entanto deve-se dizer: Assista-o!

The Artist conta com um roteiro belíssimo, ainda mais se levando em conta o fato de ser um filme mudo, onde os diálogos presentes são feitos através de frases colocadas entre uma cena e outra. Cenografia e figurino (não levando em conta as cores por motivos óbvios) são outros destaques, transferindo a impressão de estarmos assistindo a um filme gravado realmente naquela época.

Falando-se em época, a História também é lembrada no filme por intermédio da crise de 29, retratada em uma de suas cenas. Mas nada merece ser mais digno de elogios do que as interpretações dos protagonistas de The Artist. O ator francês Jean Dujardin e a franco argentina Berenice Bejo dão um show a parte. Em um filme recheado de belas atuações até o pequeno cachorrinho de George Valentin parecia ganhar anos de estudos teatrais e acrescentar mais vida ao personagem ao contemplar o filme com uma ótima atuação (?!).

Mas o filme é só coisa boa? Poderia até ser, mas eu ainda consigo encontrar defeitos em uma obra de arte. Apesar do ótimo roteiro, fica claro entender aonde ele vai nos levar. Desde meados do filme já identificamos um provável final. Mas isso tira algum mérito de The Artist? Lógico que não. Apesar de saber aonde vai nos levar, o roteiro cria uma espécie rápida de indagações na cabeça do espectador, em certo ponto do filme nos perguntamos: “Espera aí, será mesmo que isso vai acontecer?” E sendo a resposta positiva ou não, está nesta indagação o mérito de um bom roteiro. Fazer-te esquecer de todos os seus problemas pra se concentrar somente naquilo que te é apresentado.

The Artist surge como franco favorito ao Oscar de melhor filme este ano, e não por menos. É um filme corajoso por trazer um estilo clássico, (e por que não obsoleto?) de volta as telas. Não que agora teremos franquias de filmes mudos e em preto e branco. Mas em tempos de criatividade duvidosa, sempre se é bom desfrutar de filmes com uma premissa ousada e curiosa como a de The Artist.

Nota do André: 9.0 

Histórias Cruzadas

De Evandro Oliveira

The Help, estupidamente traduzido para Histórias Cruzadas, poderia resumidamente ser classificado como um filme que aborda as questões raciais dos EUA na década de 60. Mas não é. Ele é muito mais! Abordando a intimidade de empregadas domésticas negras que trabalhavam na casa de brancos, The Help mostra o preconceito na sua faceta mais cruel, não se atendo somente as lutas políticas travadas naquela época.

Dramático na medida certa, com precisos toques cômicos e envolvente do começo ao fim, o filme mostra o bom trabalho realizado pelo diretor Tate Taylor. Liderado pela grandiosa atuação de Viola Davis e seguida pela ótima atuação de Octavia Spencer, The Help conta a história de uma jovem branca que após voltar da faculdade passa a enxergar o atraso mental e o preconceito existente em sua cidade, no Mississipi.

Buscando uma forma de combater isso, ela decide escrever um livro retratando a visão e as histórias das tais empregadas domésticas negras, e para isso tentará colher depoimentos delas. Com um orçamento longe dos milionários blockbusters, The Help não se manteve três semanas seguidas no primeiro lugar da bilheteria norte-americana à toa, com toda certeza.

Destaca-se também detalhes bem colocados no enredo que trazem o espectador ainda mais pra dentro do filme, como a moça que não arruma um marido e é mal-vista pelas amigas, a mulher que não consegue engravidar é pressionada etc. Detalhes que todos já sabem mas que em nenhum momento soa como exagero. As curiosidades ficam por conta da indicação de Jessica Chastain ao prêmio de melhor atriz coadjuvante – juntamente com Octavia Spencer – e pela “ressureição” de "Don't Think Twice, It's All Right" de Bob Dylan, gravada quase na época em que o filme se passa.

Nota do Evandro: 9.0 

Cavalo de Guerra

 

De Evandro Oliveira 

Se por um lado filmes com animais vêm se tornando cada vez mais clichê, War Horse (Cavalo de Guerra) veio mostrar que esses clichês ainda podem sim produzir bons filmes e emocionar muito o espectador.

Envolvente, War Horse conta a história de um cavalo que na Primeira Guerra Mundial é enviado da Inglaterra para França, separando-o de seu jovem dono com quem desenvolvera uma profunda amizade, que fará o possível para recuperar seu animal.

Dirigido por Steven Spielberg, de quem sempre se espera muito – ainda mais após um recesso de 4 anos – War Horse talvez seja um pouco decepcionante nesse aspecto para alguns. Não para mim. O grande companheiro de Steven, Janusz Kaminski, mostrou também que sua fotografia está afiadíssima, com lindas tomadas.

Um bom roteiro e um excepcional cineasta resultaram num prato cheio pra quem gosta do gênero, ou quem gosta de sentar na poltrona do cinema e derramar algumas lágrimas. Não creio que seja favorito ao Oscar de melhor filme – de melhor fotografia, sim – tampouco acho que esteja no mesmo nível de outras obras de Spielberg, entretanto nada disso desmerece o bom filme que é.

Destaque para a belíssima cena em que o cavalo fica preso no campo de batalha, lembrando levemente de Saving Private Ryan (O Resgate do Soldado Ryan), mostrando ao fim dela que mesmo entre adversários de guerra ainda pode haver alguma diplomacia. Uma simples curiosidade negativa que reparei: ingleses, franceses e alemães sempre falando inglês. Não custava nada colocar os diálogos na língua original e legendar.

Nota do Evandro: 8.5 

A Dama de Ferro

 

De Evandro Oliveira

Se Meryl Streep já não precisava provar mais nada pra ninguém, em The Iron Lady (A Dama de Ferro) essa senhora de 62 anos mostra, definitivamente, que está num patamar que pouquíssimos alcançaram. Não que o filme tenha sido brilhante mas Meryl sim, foi.

Contando a história de Margaret Thatcher, uma importantíssima política britânica, o filme é bem falho em muitos aspectos. Em quase 1h45min de filme – que parecem ser mais – a abordagem feita sobre a política de Thatcher (Thatcherismo), fator mais marcante e que lhe rendeu o apelido de Dama de Ferro, é pequena e pouco profunda.

Sem mostrar muito claramente como e por que Thatcher se lançou à política, nem como alcançou os cargos que teve, ficaram buracos. As conversas entre políticos são fracas, com discursos vazios e que procuravam demonstrar quase sempre o preconceito machista, fator realmente existente, mas que não precisava ser exaustivamente abordado.

Dirigido pela cineasta Phyllida Lloyd, The Iron Lady passa a impressão de ser um filme político por quem não entende muito de política, ou quem prefere não debater sobre o assunto. De qualquer maneira, o filme é sim agradável pra grande parte do espectador – e é essa a imagem que passa, um filme pra agradar. Contraditório? Não creio!

Contado em flahsbacks de uma senhora já deficiente mental, um grande ponto positivo vai para a impecável maquiagem – principalmente a feita em Meryl. Aliada à grande perfomance da atriz, carregam a maior parte do sucesso do filme.

Nota do Evandro: 7.5